Nota escrita por: María Esther Beltrán Martínez

Málaga, España. - En una jornada histórica para la cultura malagueña, el emblemático Muelle Uno se ha transformado en un gran escenario al aire libre. Bajo los colores rosa y negro del Soho Internacional Dance Festival TIP TOE, 600 participantes se reunieron para formar una barra de ballet gigante frente al Mediterráneo.

Arranca la primera edición del Soho International Dance Festival TIP TOE, una iniciativa pionera impulsada por Antonio Banderas y dirigida por la estrella internacional Lucía Lacarra. Durante diez días, la ciudad no solo será espectadora de la mejor danza del mundo, sino protagonista activa de su creación.

Una de las actividades  que ha dejado huella es la convocatoria de 600 participantes para ponerse al lado de la barra de ballet y hacer una rutina Desde las nueve de la mañana comenzaron a llegar las primeras participantes, la cita para dar comienzo al evento eran las 12, pero como profesionales decidieron llegar con anticipación para colocarse en su lugar  y empezar el calentamiento apropiado, hombres y mujeres de diferentes edades se prepararon con sus mayones, faldas y maquillaje para dar lo mejor de su arte.

La reconocida bailarina Lucía Lacarra y directora de Tip Toe, encabezó el evento, dando una cálida bienvenida a los asistentes. Antes de comenzar, invitó a todos los participantes —estudiantes, profesores y profesionales— a disfrutar y divertirse con la experiencia. Con la cercanía que la caracteriza, marcó el inicio de la sesión diciendo: “Haremos la rutina que hacemos diariamente”, acercando así la disciplina del alto rendimiento al corazón de la ciudad.

El muelle uno se convirtió en la sala más grande de danza. Los movimientos eran pausados y la elegancia se hacía presente. Al ritmo de la música los brazos se movieron y las piernas tomaron altura ante una barra cómplice de la dificultad y belleza que tiene la danza. Cada uno de los 600 participantes dio su mejor esfuerzo.

Al evento no podía faltar la presencia de Antonio Banderas, impulsor del festival, quien se mostró sumamente integrado, tomando imágenes de los bailarines con su propio dispositivo y sorprendido al trabajo y la dedicación técnica en este arte, también la belleza y elegancia que emana cada movimiento.

También la danza contemporánea de raíz neoclásica ha encontrado su máxima expresión con la llegada del Malandain Ballet Biarritz que se presenta en el marco del Festival Tip Toc en el Teatro Soho Caixabank. La compañía, bajo la dirección coreográfica de Thierry Malandain, presentó su aclamada obra Les Saisons (Las Estaciones), una pieza que no solo reafirma su prestigio internacional, sino que eleva el estándar técnico de lo que se espera de una producción de gran formato.

Con la presencia de la directora de Tip Toc, Lucia Lacarra y el director y creador del proyecto Antonio Banderas junto con el público han disfrutado de la maestría de danza que ofrece el Malandain Ballet Biarritz. En Les Saisons, la compañía logra algo complejo: respetar la tradición del ballet mientras inyecta una frescura contemporánea que conecta con el público actual.

El cuerpo de baile demostró una sincronización orgánica, donde cada movimiento parecía una extensión natural de la música, reflejando el rigor que caracteriza a la sede de Biarritz. La Visión de Thierry Malandain se ve plasmada en la coreografía que brilla por su capacidad de ser poética y física a partes iguales, además que se suma la elegancia y buen gusto tanto en la escenografía como en la iluminación.  El diseño escénico y el vestuario subrayan la elegancia francesa, creando una atmósfera envolvente que cautivó a los presentes.

La compañía de Biarritz ha vuelto a demostrar por qué es un referente global. Con Les Saisons, han dejado en Málaga una huella de profesionalidad y sofisticación. Fue una noche donde el arte no tuvo fisuras, recordándonos que cuando la disciplina se encuentra con la creatividad, el resultado es simplemente inolvidable

La obra “Les Saisons” (Las Estaciones) no es solo la última gran creación de Thierry Malandain; es una prueba de fuego que sitúa a los 22 bailarines de la formación en la cúspide de la danza neoclásica europea. En esta producción, la compañía no solo interpreta música; esculpe el aire con una precisión que dejó atónitos

Lo que hace que Les Saisons sea técnicamente exigente es su innovadora propuesta musical. Malandain entrelaza las célebres Cuatro Estaciones de Antonio Vivaldi con Las Estaciones de su contemporáneo Giovanni Antonio Guido. Esta dualidad obliga a los bailarines a una constante adaptación rítmica y dinámica. Mientras que las piezas de Vivaldi exigen una energía explosiva y saltos de gran elevación, las composiciones de Guido requieren una contención y una fluidez técnica que pone a prueba el control muscular y el equilibrio de cada integrante del elenco.

Con Les Saisons, la compañía de Biarritz no solo ha presentado un espectáculo; ha dado una clase magistral de lo que significa la maestría en la danza del siglo XXI.

En el programa se rendirá homenaje al icónico bailarín argentino Julio Bocca, quien recibirá el Premio LUX DUCTOR por su trayectoria. Previamente, Bocca mantendrá un encuentro con el público y estudiantes.

María Esther Beltrán Martínez 

Fotos: Museo Lázaro Galdiano, Madrid 

El Museo Carmen Thyssen Málaga presenta una selección de 35 estampas del pintor neerlandés Rembrandt (Leiden, 1606 – Ámsterdam, 1669) como grabador. Está muestra es posible por la colaboración del Museo Lázaro Galdiano, que custodia la principal colección privada del artista en España.

Rembrandt es considerado como maestro universal del grabado, junto a Durero, Goya y Picasso. Se conoce que grabó alrededor de trescientas láminas entre 1620 y 1665, alcanzando una gran reputación en su época y llegando a ser más conocido por su obra gráfica que por sus pinturas.

Fotos: Museo Lázaro Galdiano, Madrid

Lourdes Moreno, directora artística y el gerente del Museo Carmen Thyssen Málaga, explica que en sus estampas trató la misma variedad de asuntos que en su producción pictórica, y de ellos han seleccionado en esta ocasión dos temáticas fundamentales en su obra: retratos y autorretratos y escenas religiosas (temas bíblicos que se centran en las vidas de los patriarcas Abraham, Isaac y Jacob, y en la vida y pasión de Cristo).

‘Rembrandt grabador’, una exposición de producción propia del Museo, de cuyo comisariado se ha encargado Carmen Espinosa, jefa de Conservación del Museo Lázaro Galdiano, se ha configurado a partir de dos temáticas fundamentales en la producción de sus grabados y su obra pictórica: los retratos y autorretratos y las escenas bíblicas. A través de estos asuntos, Rembrandt logró desempeñar una creatividad y libertad encomiables, con cotas artísticas que le han hecho trascender hasta la actualidad.

“El conjunto reunido por el coleccionista José Lázaro Galdiano (1862-1947) cuenta con ejemplos de las piezas más sobresalientes realizadas por el artista, en ediciones de épocas diversas, y que testimonian la evolución del maestro en el dominio de las técnicas del grabado, su genial utilización del claroscuro, su virtuosismo en los detalles y su extraordinaria inventiva”, indica.

Las treinta y cinco obras expuestas permiten apreciar su evolución, desde sus primeros grabados, realizados de manera

Fotos: Museo Lázaro Galdiano, Madrid

precisa, minuciosa y con la espontaneidad de un vigoroso dibujo, hasta sus interpretaciones más libres, cercanas a su pintura, dominadas por un magistral uso del aguafuerte combinado con el empleo del buril y la punta seca.

“El dominio del claroscuro en sus obras pictóricas se traslada a sus grabados, donde la luz emerge de la oscuridad con una intensidad dramática. Rembrandt fue un experimentador incansable; realizaba múltiples versiones de una misma lámina —denominadas «esta dos»—, añadiendo nuevas líneas y variando luces, sombras y detalles de la composición en busca de atmósferas cambiantes y diferentes lecturas y emociones en una misma escena”, explica Carmen Espinosa Comisaria de la exposición.

Explican que las dificultades económicas obligaron a Rembrandt a vender su taller de estampación y, con ello, se produjo la dispersión de las láminas de cobre de sus grabados. Clement de Jonghe (1624-1677), impresor y amigo del artista, fue el primero en poseerlas. Posteriormente, pasaron al marchante y coleccionista Pieter de Haan (1723-1766), hasta llegar al grabador francés Claude H. Watelet(1718-1786), coleccionista y gran admirador de la obra de Rembrandt.

Las estampas editadas durante este periodo son de una calidad excepcional y algunas de ellas se incluyen en esta muestra, como Abraham e Isaac, Jacob acariciando a Benjamín, Jesús y la samaritana, Cristo en la Cruz, el Retrato de la madre de Rembrandt o el célebre Descendimiento, estampado por Justus Danckerts (1635 1701) en los últimos años del siglo XVII.

La directora del Museo Lázaro Galdiano, Begoña Torres determina. “Esta exposición ofrece una mirada íntima a su universo creativo, a través de escenas bíblicas, retratos, paisajes y estudios de figuras, realizados con una maestría que marcó un antes y un después en la historia del grabado”.

Además de reunir a productores de mezcal, sotol, lechuguilla y otras bebidas y productos artesanales, el festival abrirá un nuevo espacio para las artes visuales con el objetivo de visibilizar la diversidad cultural, la fuerza de los pueblos originarios y la profunda tradición que rodea a los destilados mexicanos.

De esta manera los organizadores del festival invitan a artistas mexicanos y extranjeros que trabajen grabado, pintura o fotografía a participar en “La cultura de los destilados a través del arte”, primera muestra artística que formará parte de una nueva área de exposiciones con la que contará a partir de su próxima edición.

La convocatoria acepta obra previamente elaborada o realizada exprofeso en formato tabloide (27.94 x 43.18 cm) y técnica libre. Las personas interesadas deberán enviar: fotografía o escaneo de las obras que desean exponer, con ficha técnica y título; breve sinopsis de su trabajo artístico, y página web o red social como referencia.

Las obras seleccionadas deberán entregarse enmarcadas. El número final de piezas aceptadas dependerá del total de participantes registrados, quienes tendrán como beneficios un espacio colectivo de exhibición y venta dentro del área de arte del festival.

Además, para las obras seleccionadas, se realizará una curaduría y montaje, exhibición colectiva y el reconocimiento oficial por su participación.

Cierre de convocatoria: jueves 15 de enero de 2026

Notificación de seleccionados: sábado 7 de febrero de 2026

Entrega de obra: 9 al 14 de febrero de 2026

Exhibición: 28 de febrero y 1 de marzo de 2026

Entrega de reconocimientos: 1 de marzo de 2026

Con esta iniciativa, Mezcalfest.mx reafirma su compromiso con las y los productores artesanales, y ahora también con la comunidad artística, creando un espacio donde el arte y la cultura de los destilados convergen en torno a un mismo espíritu: celebrar lo hecho a mano y lo hecho con tradición. Mayor información e inscripciones en  contacto@mezcalfest.mx o al WA  5518144093.

Las actividades comienzan este sábado 25 de octubre a las 6:00 P. M. en la plaza Treviño Zapata, con el Encuentro Sonoro 2025, una presentación a cargo de los Maestros de Vivas Music Academy.

El domingo 26, también a las 6:00 P. M., el kiosco de la plaza principal Miguel Hidalgo será escenario de la Banda Sinfónica Municipal “Maestro Elías Valenzuela”, dirigida por el Maestro Enrique Martínez Ruiz, quien ofrecerá una velada musical para toda la familia.

Más tarde, a las 7:00 P. M., la plaza Treviño Zapata se llenará de ritmo con el tradicional Domingo de Danzón, ideal para quienes disfrutan de este baile de salón.

Y para cerrar con broche de oro, el mismo domingo a las 7:00 P. M., la plaza Miguel Hidalgo recibirá un encuentro de talentos norteños con la participación de los grupos Logia Norteña y Eskolta, que prometen poner a cantar y bailar a todos.

El sábado 6 de septiembre, a las 6:00 P. M., la plaza Treviño Zapata será sede del evento multidisciplinario Taller de Pintura en Familia y exposición de obras de los alumnos del grupo de Pintura y Escultura del IRCA.

La música será parte de esta cartelera con la participación del grupo “El Cóndor”, quien ofrecerá una velada con ritmos latinoamericanos, el romanticismo del guitarrista Juan José Puente y las Rondallas del IRCA.

El domingo 7 de septiembre, en la plaza Miguel Hidalgo, Artemio Alejandro y sus traviesos del IRCA presentarán un espectáculo musical para todas las edades, mientras que en la plaza Treviño Zapata se llevará a cabo el tradicional Domingo de Danzón a partir de las 19:00 horas.

Desde 2001, la Orquesta Sinfónica Infantil de México (OSIM) es un espacio de bienestar emocional, social, intelectual y físico de las infancias y juventudes del país, quienes en cada uno de sus campamentos de estudio y giras de conciertos han expandido la mirada hacia el futuro, al tocar un instrumento, además de encontrar el sentido de su vida, al ritmo y tiempo que marca una sinfonía de Tchaikovsky y/o Beethoven; una suite de Ginastera o de Stravinsky; un ballet de De Falla; un danzón de Márquez o de Nubia Jaime-Donjuan.

Impulsada por el Sistema Nacional de Fomento Musical (SNFM), institución de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México (antes Consejo Nacional para la Cultura y las Artes), esta agrupación artística de selección nacional también es un programa de desarrollo integral, en el que más de 1,800 niñas, niñas y adolescentes de todo el país, además de perfeccionar sus habilidades musicales, experimentan momentos canónicos que han contribuido en su bienestar social y salud emocional.

Frases como OSIM fue un parteaguas en mi vida; una experiencia que me brindó la posibilidad de hacer algo diferente; un choque cultural en el que sin importar quién era o de dónde venía encontré un lugar para mí cada vez que tocaba mi tuba; un espacio que me dio estructura, donde aprendí que con disciplina y compromiso se puede lograr objetivos, además de organizar mi vida, mi tiempo y espacio en una maleta, desvelan lo entrañable y aleccionadora que resultó esta experiencia para cientos de exOSIM, quienes hoy en día son profesionales en la música y en otros ámbitos.

El festival apuesta, un año más, por estimular la producción joven, reivindicar las galerías como espacios de encuentro y debate, y poner en contacto a los agentes del arte con el público general.

En esta ocasión la curaduría está a cargo de Javier Arango Garfias artista y curador mexicano egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” cuya práctica se sitúa en la intersección entre el arte, la política y los procesos de emancipación simbólica.

Como curador, su mirada está atravesada por su experiencia artística, lo que le permite abordar la curaduría no solo como mediación, sino como un proceso creativo en sí mismo, profundamente sensible a las materialidades, los contextos y las temporalidades que atraviesan a las obras y a sus autores.

Javier Arango Garfias Comenzó a desarrollar su práctica curatorial en Granados 26, un espacio independiente autogestionado en Ciudad de México que funcionó como plataforma de encuentro entre artistas emergentes, prácticas críticas y discursos periféricos. Ahí organizó múltiples exposiciones residencias y presentaciones, consolidando una visión curatorial que pone el énfasis en lo colaborativo, lo político y lo situado.

Desde entonces, ha curado exposiciones en distintos contextos, tanto institucionales como independientes, destacando entre otras:

• Sin Glorias (2023) Barcelona
• Apariciones forzosas en Casa Sahara Aminetu Haidar (2015), Sevilla,
• NOMEVOY para Festival ArtNou (2020, 2021 y 2022) Barcelona
• Susurros del México olvidado, (2018–2020) Mexico
• Taula per Mèxic en el Convent de Sant Agustí de Barcelona
• Pabellon 9, NOMEVOY (2022) ARCO Madrid

La 14ª edición de Art Nou 2025 comenzará el 25 de junio con la inauguración de todas las exposiciones en Barcelona y el 26 de junio con las de L’Hospitalet, donde se celebrará la inauguración oficial de esta edición en el Edificio Isaac Peral con la intervención de Irantzu Yaldebere + Jangitz Larrañaga. El 4 de septiembre tendrá lugar el acto de clausura en La Capella con la acción de Blanca Tolsá Rovira.

Art Nou ofrecerá un programa de exposiciones con una treintena de muestras y más de cuarenta artistas; además de un extenso programa de actividades que incluye visitas guiadas, inauguraciones, charlas con artistas, performances, proyecciones y acciones en galerías, instituciones y espacios independientes.

La exposición que presenta en esta ocasión es Súbito, con las artistas Gaby Lobato, Soledad Marcote Lorena Ruiz Pellicero, Aitanna Pascual Casaux. Este encuentro traza un mapa de gestos y voces que no buscan respuestas definitivas. No busca certezas, sino otras maneras de sostener y habitar la incertidumbre, de preservar lo que se desvanece. Une sensibilidades que dan forma a lo invisible, que rozan lo inaprensible, que activan relaciones antes que significados. Aquí, la imagen no representa: vibra, se aproxima, tiembla. Y el arte deja de ser discurso para volverse latido, aliento, roce.

Súbito, sí. Pero también íntimo, frágil, necesario.

Esta tendrá lugar en:

ANYWHERE arte contemporáneo,

Campo Florido 54 08027 Barcelona

Junio 25, 19:00 hrs.

ArtNou 14

Nota escrita por: María Esther Beltrán Martínez

Por segunda ocasión el artista malagueño Federico Miró viaja a la Ciudad de México para presentar su obra, que ha sido muy bien recibida por los mexicanos. En esta ocasión en marcó del Proyecto H presenta la primera exposición individual durante el marco de Gama Week.

“La exposición, titulada Contraste, parte de una técnica particular y minuciosa que hace alusión a lo artesanal y la tradición del bordado y los telares. Así, se pinta una imagen en el lienzo que, a continuación, se recubre línea a línea con acrílico para dar volumen y textura a la obra, consiguiendo un símil con el textil, perteneciente a esta y otras épocas. Una confluencia de aspectos que invita a reflexionar sobre el tiempo que implica la creación de las piezas en el marco de la contemplación y la ejecución del proceso artístico”, explica el artista.

Miró indica que Contraste, está conformada por una serie de cuadros en pintura que bebe de una triple influencia: la cultura textil mexicana, japonesa y española. En las obras se entrelaza la iconografía prehispánica, los ornamentos basados en la tradición textil mexicana y los paisajes del país americano. Junto a ello, se aprecian elementos de la cultura oriental, como los estampados japoneses que emanan de la filosofía nipona, basada en la artesanía y la lentitud, al igual que el know how de mi proceso artístico, todo ello salpicado de elementos contemporáneos de la vida cotidiana madrileña, espacio en el que transcurre mi día a día.

“Así, la génesis de Contraste es la confrontación de distintas culturas, de lo figurativo con lo abstracto, de las formas geométricas frente a las orgánicas, de lo natural y lo artificial, de lo monocromático con la variedad del color y la complementariedad de este. En definitiva, una yuxtaposición de aspectos que aboca a reflexionar en torno a la amalgama cultural que caracteriza al mundo actual”.

Es la segunda vez que viajas a México, ¿cómo ha influido en tu obra?

La influencia de México en mi trabajo puede apreciarse a través de, por ejemplo, la presencia del agua como elemento natural que baña todas las obras, siendo una metáfora sobre la vida y paso del tiempo que posibilita reflexionar en torno a la existencia del hombre. En contraste, pueden observarse también paisajes áridos y secos donde la vegetación suculenta, como los cactus o el agave, simbolizan la fugacidad de la vida, todo ello representado a través de una colorimetría vivaz y llamativa, en línea con el folklore mexicano.

¿Qué sigue después de esta exposición?

Tras exponer en Gama Week, la siguiente parada es la ciudad alemana de Colonia. Así, en la feria de arte Art Cologne, que se celebrará entre los días 7 y 10 de noviembre, buscaré afrontar el resto de pasar del cuadro al objeto representado a través de un biombo sin perder la esencia de mi obra. En este sentido, este proyecto es otro trabajo de reflexión en torno a la yuxtaposición en el que se contrapone, por un lado, el paisaje contemporáneo de Madrid y, por otro, el estampado barroco malagueño, un guiño a mis orígenes personales y profesionales.

El artista malagueño se distingue por la particularidad de su obra que es la elaboración sobre los paisajes y en la abstracción del mismo a través de collages que toman retacerías y fragmentos de imágenes de diversas culturas. Su técnica particular y minuciosa hace alusión a lo artesanal y la tradición del bordado, los tapices y telares.

Voceros de Proyecto H señalan que “Miró pinta una imagen en el lienzo que luego recubre línea a línea con acrílico para dar volumen y textura a la obra haciendo un símil al textil. Los patrones e imágenes pertenecen a otra época. Estos elementos invitan a reflexionar sobre el tiempo que implica la creación de sus piezas.   Su obra es una yuxtaposición de épocas donde rescata una tradición que ha acompañado a las culturas por siglos y también cuestiona el papel del artista y el artesano”.

En cuanto a su formación, Federico Miró obtuvo su licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Málaga en 2013 y realizó el Máster de Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid en 2014. Miró ha presentado exposiciones individuales en lugares como la Galería Javier Marín en Málaga en 2022, F2 Galería en 2018, Gallery Red en Mallorca en el mismo año, la galería Marta Cervera de Madrid en 2014, y la sala de exposiciones de Bellas Artes de Málaga en 2013. Además de sus exposiciones individuales, Miró ha participado en una serie de exposiciones colectivas en espacios como el Da2 de Salamanca y el CAC Málaga en 2017. Algunos de sus logros más destacados incluyen el primer premio de pintura Manuel Ángeles Ortiz de la Universidad de Jaén, el premio BMW de pintura a la innovación en 2017 y el primer premio en la exposición “Salón de Verano” en la sala Moncloa en Madrid en 2014. También ha estado presente en ferias de arte como Estampa, ARCO Madrid, ARCO Lisboa y Pinta Miami.

REYNOSA, Tamaulipas. – El Ayuntamiento

Dirigido a principiantes, intermedios y avanzados, este taller propiciará el desarrollo de la práctica musical por medio del clarinete, promoviendo así un mayor aprendizaje en la ejecución de este instrumento y la creatividad musical de los estudiantes.

Los interesados en inscribirse pueden acudir a las oficinas del IRCA ubicadas en la calle Mina número 1017, en la colonia Longoria o comunicarse al teléfono 8999255358 en horario de 10:00 a 17:00 horas para obtener mayor información.

María Esther Beltrán Martínez  

Obras de Pablo Picasso viajaron a Grecia para una excelente exposición. Más de un centenar de piezas del Museo Casa Natal Picasso se presentan para conformar la exposición Pablo Picasso: Exilio y Nostalgia en el MOMus-Museo de Arte Moderno-Colección Costakis. Hasta el próximo 10 de noviembre, los visitantes del museo griego podrán admirar dibujos, fotografías, grabados y litografías del artista malagueño. Algunas de estas obras se exhiben por primera vez fuera de España.

Esta muestra es fruto de la colaboración entre el MOMus y la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal de Pablo R. Picasso y Otros Equipamientos Museísticos y Culturales del Ayuntamiento de Málaga. Actualmente, esta alianza también se manifiesta en la exposición Utopía y Vanguardia. Arte ruso en la Colección Costakis, inaugurada en la Colección del Museo Ruso, con más de 470 obras pertenecientes al Museo de Arte Moderno de Salónica.

José María Luna, director de la Agencia Pública para la Gestión de la Casa Natal de Pablo Ruiz Picasso y Otros Equipamientos Culturales explica que las piezas procedentes del Museo Casa Natal Picasso ofrecen una perspectiva única de la vida y obra de Picasso a través de su correspondencia con Eugenio Arias, su amigo y barbero.

La muestra, comisariada por Carlos Ferrer Barrera y coordinada por Maria Tsantsanoglou y José María Luna, incluye dibujos, grabados y cerámicas, relacionados con temas como la tauromaquia, el Mediterráneo, la nostalgia por su patria y la solidaridad con compañeros exiliados.

La exposición cuenta con Correspondencia. Picasso y Arias se conocieron en Vallauris, en el sur de Francia, donde Arias había encontrado refugio como exiliado político. Allí, comenzó una amistad que se materializó en una extraordinaria correspondencia artística. Picasso utilizaba los márgenes de las crónicas taurinas del diario ABC para dejar signos junto con dibujos alusivos a los toros y enviar mensajes a Arias. Es un conjunto de más de 60 páginas, realizadas entre 1962 y 1968.

 fueran pelos de barba. Estos dibujos se presentan por primera vez fuera de España.

Resistencia. La exposición también incluye libros ilustrados como ‘Sueño y mentira de Franco’ (1937), que se complementa con otras publicaciones que reflejan el compromiso de Picasso con la causa antifascista. Con sus ilustraciones ayudó a conocidos poetas y escritores, como Paul Eluard o Robert Desnos, a difundir la causa antinazi.

Además, en esta muestra se publican en griego dos poemas surrealistas de Picasso, traducidos por Androula Michael, reforzando el impacto literario y artístico de su obra. La colección se completa con fotografías, grabados y litografías que reflejan el amor de Picasso por los toros y el Mediterráneo. Estas obras permiten apreciar cómo el artista encontró en Vallauris, en la Costa Azul, un paraíso tras la Segunda Guerra Mundial.