Nota escrita por: María Esther Beltrán Martínez   

Fotos: J. Carlos Santana

Málaga, España. Una de las citas culturales más profundas y ambiciosas de la temporada la ofreció la exposición “Picasso Memoria y Deseo”. Desde su apertura en noviembre, las salas temporales del Museo Picasso Málaga (MPM) han sido testigos de una afluencia incesante de público, consolidando un proyecto que va mucho más allá de una simple muestra pictórica para convertirse en un viaje a la psique del genio.

En una reciente entrevista con el comisario del proyecto, el catedrático Eugenio Carmona, se desvelaron matices que ayudan a entender la magnitud de esta propuesta. Carmona destacó especialmente la importancia de las obras de Picasso en su adolescencia, un periodo donde la participación de su padre, José Ruiz Blasco, fue fundamental en su formación técnica y conceptual. Estas piezas tempranas ofrecen una perspectiva única sobre cómo se fraguó el talento que más tarde transformaría el arte del siglo XX.

Asimismo, el comisario detalló la cuidada participación del barítono malagueño Carlos Álvarez. Su voz guía al visitante a través de un pasillo inversivo donde se narran fragmentos de La obra maestra desconocida de Balzac, mientras se contemplan las

Fotos: J. Carlos Santana

célebres «constelaciones» y dibujos de los cuadernos 30 y 31 de Picasso; lo que permite al visitante tener una experiencia especial y sentirse arropado entre el texto y el audio. Una muy buena experiencia.

Uno de los puntos que más ha conmovido a los visitantes es la presencia de Federico García Lorca. Carmona subrayó que la participación del poeta no es accidental; su obra conecta con la faceta más humana y sensible de la vanguardia, despertando una emoción profunda en quienes recorren las salas. Lorca brilla en una “constelación” que incluye a Dalí, Magritte, De Chirico, Ernst y Cocteau, logrando un diálogo entre la memoria de la tradición y el deseo de ruptura.

La exposición parte de la inspiradora y compleja pintura Estudio con cabeza de yeso (1925), que tanto impresionó a Dalí y Lorca, pieza en la que se ha estimado que existe una «línea divisoria»

en la producción de Picasso y en la evolución de su personalidad artística. Se trata tanto un proyecto de investigación como de una propuesta expositiva con la que explorar la relación

entre las imágenes, el devenir del sujeto moderno y la vivencia de tiempos históricos diversos en un mismo presente cultural. En sinergia con la atmósfera surrealista, la obra muestra que una

época no es un universo mental fijo sino una articulación compleja de referentes culturales, experiencias vitales acumuladas y expectativas de acción para el futuro.

Estudio con cabeza de yeso, pintura realizada por Pablo Picasso en el verano de 1925, expresa singularmente esta situación histórica. El artista planteó en ella un poderoso enjambre de signos

icónicos que contenía una reveladora psicomaquia. “Mirar Estudio con cabeza de yeso – afirma Eugenio Carmona – es situarse ante una compleja trama de signos. Poderosos iconos reclaman

atención en su esfuerzo por convertirse en emblemas. No es inadecuado hablar de pintura de Picasso como pintura de signos”.

F
otos: J. Carlos Santana

Para Carmona Picasso situó la evocación encubierta de la figura de su padre, profesor de dibujo en el sistema de las Bellas Artes. Y ello implicaba citar la propia formación picassiana en ese sistema. Este era, para el artista, el lugar de la memoria.

Pero ¿por qué traer al presente, en 1925, estos datos? El busto de yeso que protagoniza la obra no está relacionado ni con el anacronismo ni con el «retorno al orden» sino con la presencia del

pasado que se resignifica desde el presente. Y, en su desplazamiento de tiempo y sentido, el busto estalla perturbadoramente en perfiles contrapuestos, proyecta una misteriosa sombra y

nos interroga con su penetrante mirada. Lo planteado en Estudio con cabeza de yeso fue trabajado por el artista en una sugerente constelación de obras y se expandió en su producción, transformándose durante décadas. El busto se convirtió en emblema. Los «rostros desdoblados» y el «perfil en sombra» se desarrollaron como vehículos de un juego figurativo y visual tan revelador como inquietante.

Fueron propuestas visuales que evolucionaron sobre sí mismas, incesantemente. La continua sucesión de estas líneas de fuga fue, para Picasso, el lugar del «deseo» entendido no solo como

pulsión erótica si no, ante todo, como intensa afirmación de la voluntad de vivir. Este proyecto, sin duda ha sido un regalo a los visitantes que no debe perderse en estos últimos días. Ha reunido piezas de instituciones de prestigio mundial como el MoMA, el Louvre, el Centre Pompidou y el Museo Reina Sofía.

Málaga, España. -

El proyecto es una idea original y está bajo la dirección de la periodista María Esther Beltrán. Nace con el firme propósito de divulgar la autenticidad de esta tradición mexicana, declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. Beltrán, con una trayectoria sólida en la comunicación, subraya la importancia de informar al público sobre el origen de esta festividad para marcar una distancia necesaria con las corrientes comerciales y globales del Halloween anglosajón.

Para comprender el significado del Día de Muertos en México, es importante analizar la naturaleza de su origen. Día de Muertos, no se trata de una celebración de terror, sino de un complejo fenómeno de sincretismo cultural que fusiona dos cosmovisiones: la de los pueblos originarios de Mesoamérica y la traída por los evangelizadores españoles.

En la época prehispánica, civilizaciones como la mexica, maya y purépecha no veían la muerte como el fin de la existencia, sino como una fase de un ciclo infinito. El culto a la muerte era una celebración de la vida. Los antiguos pueblos creían que los rumbos del universo estaban regidos por deidades como Mictlantecuhtli y Mictecacíhuatl, los señores del inframundo (Mictlán). Para ellos, los difuntos no “asustaban”, sino que regresaban temporalmente para convivir con los vivos y nutrirse de la esencia de los alimentos que se les ofrecían.

Con la llegada de los españoles en el siglo XVI, estas prácticas se encontraron con el calendario litúrgico católico. La festividad indígena, que originalmente solía celebrarse en fechas distintas según el calendario solar, se desplazó para coincidir con las festividades cristianas de Todos los Santos y los Fieles Difuntos. Fue en ese punto donde la espiritualidad cristiana aportó elementos como las velas (luz de fe), las cruces y las oraciones por las ánimas del purgatorio, fundiéndose con el cempasúchil, el copal y el simbolismo del pan. Es este “abrazo” de dos mundos lo que María Esther Beltrán desea resaltar en la sede de la Sociedad Económica, un espacio que, por su propia historia, representa la ilustración y el conocimiento compartido.

Tras una primera edición en el 2025, que se caracterizó por una presentación sencilla y un acercamiento preliminar al público malagueño, el proyecto regresa este 2026 con una estructura mucho más robusta. Esta evolución hacia una propuesta de mayor calado ha sido posible gracias al respaldo institucional de José María Ruiz Povedano, presidente de la Sociedad Económica de Amigos del País. Ruiz Povedano ha comprendido la relevancia de ceder este espacio histórico para que funcione como el hogar natural de una manifestación que une el pasado colonial de Málaga con el presente vibrante de México.

Asimismo, la iniciativa se integra en el marco de la Casa de América en Málaga, el proyecto impulsado por su creador José Antonio Sierra, que se suma como Asesor Cultural del proyecto. Para Sierra, la presencia del Día de Muertos en una institución tan emblemática como la “Económica” es un paso decisivo para convertir a Málaga en una capital cultural que mira de frente a su herencia atlántica.

La programación de este año, cuidadosamente diseñada por Beltrán, se divide en dos ejes fundamentales que buscan equilibrar la experiencia estética con el rigor informativo. La Tradicional Ofrenda se erigirá un altar en el patio de la Sociedad Económica. Este altar no será solo un objeto visual. Incorporará los cuatro elementos: agua para la sed del caminante, tierra (frutos), fuego (velas) y aire (papel picado). La presencia de flores de cempasúchil, con su color naranja vibrante, servirá para marcar el camino de regreso de las almas al mundo de los vivos.

Además, que se hará una Mesa Redonda que es el componente intelectual del proyecto se materializará en un encuentro de expertos coordinado por la propia periodista. En este foro se abordará el significado antropológico de la muerte en la cultura iberoamericana y la importancia de defender las tradiciones propias frente a la aculturación. Se busca generar un espacio de pensamiento crítico donde se explique por qué el Día de Muertos es una filosofía de vida y no un producto de consumo.

Beltrán asume la responsabilidad de actuar como puente. Su deseo es que el visitante malagueño no solo observe una estética colorida, sino que comprenda la cosmovisión de un pueblo que ríe con la muerte para quitarle el miedo, pero que llora con respeto para no olvidar a sus ancestros.

Nota escrita por: María Esther Beltrán Martínez   

Fotos: J. Carlos Santana y Ayuntamiento de Málaga

Málaga, España. – La capital de la Costa del Sol se sumerge de lleno en su semana más esperada. No es una cifra menor: durante estos días, más de 40 procesiones recorren el trazado oficial de la ciudad, convirtiendo el centro histórico en un museo vivo de arte y devoción. Con un promedio de entre 6 y 8 cofradías diarias, el ritmo de la ciudad es incesante; un despliegue de logística y fe que pocos lugares en el mundo pueden igualar.

Para el público internacional, la organización malagueña sorprende por su precisión. Con las calles del centro cortadas y el tráfico cedido a las procesiones que van acompañadas por bandas de música, la ciudad vive en un estado de excepción cultural. Cada procesión es una experiencia sensorial completa: las bandas entonan marchas específicas compuestas para cada trono, creando una banda sonora única que marca el rítmico balanceo de las imágenes. Y el olor a incienso envuelve las calles.

Foto J Carlos Santana

A diferencia de otras ciudades, en Málaga la escala de tamaño en sus tronos es colosal. Además, que cada cofradía pone en la calle a centenares de nazarenos que portan sus capirotes (el capuchón cónico) del color distintivo de su hermandad, creando largas filas de luz y color.

Pero lo que realmente asombra es el porte de los tronos. Estas estructuras monumentales son portadas por fuera, a hombro descubierto, por un ejército de entre 200 y casi 300 portadores (u hombres de trono). El tamaño de estas piezas es tal que su paso es diferente en cada caso; la forma de “mecer” el trono varía según la marcha musical y la tradición de la hermandad, convirtiendo el esfuerzo físico en una danza solemne y coordinada.

La semana se inaugura con la Pollinica, la procesión de los niños que celebran la entrada de Jesús en Jerusalén. Sin embargo, el domingo también brilla con la hermandad de Lágrimas y Favores, famosa por la participación de Antonio Banderas. El actor malagueño ejerce como Hermano Mayor y Mayordomo de Trono, conduciendo la imagen por las calles y guiando a los portadores con el golpe del martillo.

Foto J Carlos Santana

El Lunes Santo destaca por la salida del Padre Cautivo, Málaga se detiene para recibir a su vecino más ilustre: Nuestro Padre Jesús Cautivo. Desde el primer balance de su túnica blanca al salir de su barrio de la Trinidad, una marea humana de miles de fieles lo aguarda con una devoción que desborda las aceras. Es, sin duda, la procesión más esperada de la semana; un fenómeno de fe donde las promesas se cumplen a paso de trono y el silencio solo se rompe por el rachear de los portadores y las saetas espontáneas. Desde la salida procesional hasta su encierro en la madrugada, el “Señor de Málaga” camina arropado por una multitud que no lo deja solo ni un instante, confirmando que el Lunes Santo es el día en que el corazón de la ciudad late bajo una sola túnica.

Otra de las hermandades es la de los Gitanos, cuyos nazarenos caminan con el rostro cubierto, sin los tradicionales capirotes. Al llegar el Martes Santo, además de la popular “Novia de Málaga” (el Rocío), ocurre un hito artístico: la procesión de las Penas. Su titular, María Santísima de las Penas, luce un impresionante manto confeccionado íntegramente con flores naturales. Esta obra efímera es realizada cada año por un equipo especializado de jardineros del Ayuntamiento de Málaga, quienes diseñan un tapiz floral único para la ocasión.

Foto J Carlos Santana

Ese mismo martes, la cofradía de Nueva Esperanza realiza un recorrido épico desde la periferia que se prolonga hasta las 5 de la mañana, una muestra de resistencia que recuerda a las grandes mandas mexicanas.

El Miércoles Santo se vive la liberación de un preso por parte de Nuestro Padre Jesús “El Rico”, un acto de clemencia que data del siglo XVIII. El Jueves Santo llega el momento más mediático: el desembarco de La Legión. Los militares trasladan al Cristo de la Buena Muerte (Mena) entre cánticos castrenses y una marcialidad que sobrecoge a la multitud.

El viernes, la ciudad cambia el estruendo por el recogimiento absoluto con el Sepulcro. Finalmente, la orden de los Servitas recorre las calles en penumbra; a su paso, las luces de la ciudad se apagan por completo, dejando que solo el sonido de las horquillas de los portadores rompa el silencio de la noche malagueña.

Málaga ya no duerme. Con los corazones abiertos y los tronos en la calle, la ciudad cierra una semana que es el pulso vivo de un pueblo que se reconoce en su historia, su música y su fe.

Gitanos. El señor de la Columna. Foto J.Carlos Santana

El broche de oro llega con el Domingo de Resurrección. Tras días de luto y sobriedad, Málaga recupera el color y la alegría. La procesión del Santísimo Cristo Resucitado y María Santísima Reina de los Cielos recorre las calles en un ambiente festivo.

Lo más significativo de esta jornada es que cuenta con la representación de todas las cofradías de la ciudad, cuyos nazarenos acompañan el cortejo portando sus estandartes, uniendo a toda Málaga en un solo sentimiento de victoria y esperanza. Con el encierro del Resucitado, las bandas guardan sus instrumentos y la ciudad comienza, desde ese mismo instante, la cuenta regresiva para la próxima primavera.

Nota escrita por: María Esther Beltrán Martínez   Fotos: Cortesía Producción

FOTO: CORTESÍA DE PRODUCCIÓN

Málaga, España. -  Tras un recorrido por los circuitos cinematográficos, el cineasta Javier Espada presentó en España su más reciente y ambiciosa obra: “Memoria de los olvidados”. El estreno nacional en España ha tenido como escenario el auditorio del Museo Picasso de Málaga, consolidando un periplo internacional que ya ha dejado una huella imborrable en el Festival de Venecia y el Festival de Morelia en México.

En conversación, Javier Espada, director y creador del documental, compartió el origen de este vínculo inquebrantable que trasciende lo profesional: “Esto viene de muy atrás”, confesó con emoción. Espada nació en Calanda, el mismo pueblo aragonés que vio nacer a Luis Buñuel en el año 1900. Este lazo vital lo llevó a fundar y crear el Centro Buñuel de Calanda (CBC), un museo de referencia mundial que hoy es el corazón del legado del genio surrealista. Además, que se han presentado exposiciones relevantes en torno a Buñuel.

Durante la charla, Espada destacó la vigencia y el valor excepcional de la película original Los olvidados (1950), a la que su

FOTO: CORTESÍA DE PRODUCCIÓN

documental rinde un tributo necesario. El cineasta recordó la proeza técnica y humana que supuso aquella producción: filmada en apenas 21 días, en escenarios naturales y con un elenco de actores no profesionales. Destaca que Buñuel marcó un discurso diferente en los cincuenta llegó con un discurso diferente. Muestra su película una Ciudad de México que algunos no deseaban que se viera.  “Los olvidados” contiene una enorme libertad creativa.

Indica Espada que Buñuel tiene una repercusión en directores como Iñárritu, Michel Franco, Fernando León o Gael García Bernal, que al preguntarles por Buñuel reconocen su trabajo y la influencia que dejó a futuras generaciones, incluidos ellos.

Uno de los puntos más altos del documental es la participación de grandes personalidades de la cultura mexicana, quienes analizan lo que esta película significa para la identidad del país y la proyección internacional que le otorgó.”Memoria de los olvidados” se nutre de las reflexiones de figuras de la talla del multipremiado director Alejandro González Iñárritu, la actriz Ofelia Medina, guionista y productor Michel Franco, el escritor Juan Villoro y la escritora Elena Poniatowska

Estas figuras desmenuzan cómo la mirada de Buñuel, aunque inicialmente incomprendida, terminó definiendo una nueva forma de ver la realidad, otorgándole una dimensión universal. El documental subraya que Los olvidados es un patrimonio vivo que sigue dialogando con los problemas sociales contemporáneos.

Javier Espada se mostró “profundamente agradecido y conmovido” por la recepción en el Museo Picasso de Málaga. El público malagueño, en un silencio sepulcral seguido de una ovación cerrada, reconoció una obra que ya se integra en la historia de la película original. De hecho, en diversos circuitos internacionales ya se está programando el documental de Espada de forma conjunta con la proyección del film de Buñuel de 1950.

FOTO: CORTESÍA DE PRODUCCIÓN

La obra, que ostenta un sello trinacional (España, México y Estados Unidos), cuenta con la inconfundible voz narrativa de Arturo Ripstein —amigo personal y colaborador de Buñuel—, quien aporta una sobriedad y profundidad que eleva el documental a la categoría de pieza de culto. Tras su éxito en Málaga, el documental viajará de inmediato al Festival de Cine Español de Nantes en Francia. Sin embargo, el horizonte más esperado es su desembarco en la Cineteca Nacional de México.

Es un documental que vale la pena ver para valorar el trabajo de Buñuel y ver el comportamiento de diversas autoridades que en su momento se escandalizaron, por ver una realidad que se vivía. Aspecto que muchas veces se quiere esconder y no ver lo que realmente hay.

Espada confirmó que las gestiones están muy avanzadas para que esta obra —nacida de la sensibilidad de un calandino que conoce como nadie las raíces de Buñuel— se proyecté en el emblemático recinto de cine en la ciudad de México.

Javier Espada actualmente está trabajando en un nuevo documental sobre Pepe Moreno Villa, poeta, pintor y escritor malagueño, amigo de Buñuel y exiliado español que llegó a México en 1937.  Es un personaje importante del renacimiento cultural del exilio republicano. Actualmente se presenta obra de este artista en la exposición temporal del Museo Picasso de Málaga.

Sobre Moreno Villa indicó que es un artista que valoró el arte prehispánico, escribió poesía y dejó una huella enorme. Consideró que es necesario se dé a conocer su trabajo y su relación con México.

Nota escrita por: María Esther Beltrán Martínez  

Málaga España – Para el público mexicano, la Semana Santa es sinónimo de fe y color; en España, y especialmente en Málaga, es además una explosión de arte sonoro. El Teatro del Soho CaixaBank, fundado por Antonio Banderas, presenta esta semana el

FOTO: JESÚS DOMÍNGUEZ

V Concierto de Cuaresma, un evento que transforma la música que acompaña a los “pasos” y procesiones en una experiencia de sala de conciertos de primer nivel.

Aunque la distancia física nos separa, la propuesta musical liderada por Banderas y el maestro Arturo Díez Boscovich ofrece una ventana única a la “Semana de Pasión” malagueña, donde la música de las bandas de música y viento se viste de gala con orquestas de cuerda y arreglos sinfónicos.

En España, las marchas procesionales son las piezas musicales que marcan el paso de los cargadores (costaleros o hombres de trono). El maestro Díez Boscovich explica que el programa, curado personalmente por Antonio Banderas, cuida una calidad tremenda:

Concierto de Cuaresma Larios Pop del Soho. Teatro del Soho CaixaBank. foto: Jesús Domínguez

“Hay marchas determinadas para la calle, y todas son buenas, pero aquí las presentamos con una instrumentación de cuerda y arreglos específicos para orquesta. Es un sonido que cuida mucho la raíz, pero con una elegancia de concierto.”

El repertorio incluye piezas que han sido galardonadas por su composición, demostrando que la música cofrade es un género académico por derecho propio. Entre ellas destaca Cofrade del Mayor Dolor, de la autoría del propio Banderas, y obras de Miguel Pérez como Stella Nostra.

El concierto cuenta con la participación de Arcángel, uno de los cantaores flamencos más respetados del mundo (ganador del Latin Grammy), quien interpreta la icónica Saeta de Serrat. La saeta es ese canto agudo y al aire que se lanza en España cuando una imagen religiosa pasa por una calle, un momento de máxima intensidad emocional que ahora llega al escenario del Soho.

Acompaña también el Orfeón Universitario de Málaga, sumando una potencia coral que eleva el espíritu de la Cuaresma a través de piezas como el Gaudeamus Igitur.

Foto: Jesús Domínguez

Para quienes desde México desean conocer más sobre esta tradición, este proyecto no se queda solo en el aplauso del teatro. La calidad de estas versiones sinfónicas ha permitido la edición de discos especializados sobre la música de Semana Santa, grabaciones que recogen la herencia de compositores como Eduardo Ocón o Pascual Marquina bajo una nueva luz orquestal.

Es, en esencia, una invitación a descubrir cómo la fe popular de Málaga se convierte en alta cultura bajo la visión de uno de los actores más queridos de la industria, recordándonos que la música de procesión es el alma que mueve a todo un pueblo.

Nota escrita por: María Esther Beltrán Martínez

Málaga, España. -  La 29ª edición del Festival de Málaga ha concluido con una histórica victoria para el cine mexicano, que se ha consolidado como el gran triunfador de sus secciones más competitivas. Triunfo para “Oca” y “El jardín que soñamos”.

El protagonismo de la noche fue para “Oca”, de la directora Karla Badillo, que se alzó con la Biznaga de Plata a la Mejor Película Iberoamericana en la sección Zonazine.  Acompañada por la actriz mexicana Cecilia Suárez, mostraron su alegría y agradecieron al festival, así como al público malagueño quienes otorgaron el Premio del Público que coronó a la cinta como la favorita de los asistentes.

Por su parte, en la Sección Oficial, el director Joaquín del Paso hizo historia al recibir la Biznaga de Oro a la Mejor Película Iberoamericana por “El jardín que soñamos”, llevando además el premio a la Mejor Dirección. Estas victorias confirman el altísimo nivel de las producciones nacionales en el circuito internacional.

Aunque no se llevó ninguna Biznaga “Juana” opera prima del actor y ahora director Daniel Giménez Cacho, complementan el despliegue de talento mexicano, el festival contó con la participación de “Juana”, la obra dirigida por Daniel Giménez Cacho. La película, que compitió en la Sección Oficial, fue una de las propuestas más comentadas y seguidas por la crítica, cerrando una delegación mexicana que ha dejado una huella imborrable en la capital malagueña.

Palmarés Principal – 29ª Edición Festival de Málaga

Sección Oficial (Largometrajes)

• Biznaga de Oro a la Mejor Película Iberoamericana: El jardín que soñamos, de Joaquín del Paso (México).
• Biznaga de Oro a la Mejor Película Española: Yo no moriré de amor, de Marta Matute.
• Biznaga de Plata a la Mejor Dirección: Joaquín del Paso por El jardín que soñamos.
• Biznaga de Plata Especial del Jurado: Iván & Hadoum, de Ian de la Rosa.
• Biznaga de Plata a la Mejor Interpretación Femenina: Júlia Mascort por Yo no moriré de amor.
• Biznaga de Plata a la Mejor Interpretación Masculina: Nicolás Zárate por Hangar rojo.

Sección Zonazine (Cine de Autor y Vanguardia)

• Biznaga de Plata a la Mejor Película Iberoamericana: Oca, de Karla Badillo (México).
• Premio del Público: Oca, de Karla Badillo. (Recibido en el escenario por la directora junto a Iliac Suárez).
• Biznaga de Plata a la Mejor Película Española: La carn (La carne), de Joan Porcel.
• Biznaga de Plata a la Mejor Dirección: Gwai Lou por We are the jungle.

• Premio de la Crítica: Hangar rojo, de Juan Pablo Sallato.
• Biznaga de Honor: Natalia Oreiro, por su trayectoria en el cine iberoamericano.

Con este palmarés, México se posiciona como la cinematografía más sólida de la edición, logrando un ‘doblete’ histórico al llevarse la máxima distinción en la Sección Oficial y el favor unánime del jurado y el público en la sección Zonazine.

Nota escrita por: María Esther Beltrán Martínez  

Barcelona, España. - La 40ª edición de los Premios Goya, celebrada en el Auditori Forum CCIB de Barcelona, ha dejado una huella profunda no sólo por su palmarés, sino por el firme discurso social que ha marcado la ceremonia. Con la presencia de la actriz Susana Sarandon, engalanó la noche donde el cine español demostró estar más vivo que nunca.

Más allá de la competición, la gala se detuvo para rendir homenaje a dos figuras icónicas: Goya Internacional. Una magnética Susan Sarandon recibió el calor del público español. Goya de Honor: El veterano Gonzalo Suárez fue reconocido por su dilatada y personal trayectoria.

La actriz estadounidense, fue relevante con su participación al recibir el Goya Internacional. Fiel a su estilo, pronunció un discurso que mezcló la gratitud artística con un fuerte compromiso social y político.

Sarandon comenzó agradeciendo a la Academia de Cine de España, destacando la vitalidad de la industria local.

“Es un honor recibir este premio en un país con una tradición cinematográfica tan rica y apasionada. El cine español tiene una voz única que siempre he admirado… Como actores, tenemos el privilegio de contar historias, pero también la responsabilidad de dar voz a quienes no la tienen. El arte no puede estar separado de la realidad del mundo”.

Agregó que “No podemos mirar hacia otro lado mientras ocurre el sufrimiento. La cultura debe ser un puente para la paz y la empatía, no un muro”. También dedicó unas palabras a su conexión personal con el país y su alegría por estar en Barcelona, que alabo su gastronomía y la belleza de la ciudad y su gente.

“Estos días en los que el mundo está tan dominado por la violencia, por la crueldad, miro a mi alrededor y veo a vuestro presidente y a muchos artistas de este país que hablan con tanta lucidez moral”, indicó. y terminó con una referencia del historiador y filósofo estadounidense Howard Zinn: “Tener esperanza en tiempos difíciles no es solo una actitud romántica ni ingenua, sostiene una verdad esencial. La historia de la humanidad no es solo de crueldad, sino de valentía, compasión y bondad. Si elegimos centrarnos solamente en lo peor, paralizamos nuestra capacidad de actuar. Pero si recordamos los momentos en los que alguien obró con grandeza, da energía para actuar y cambiar el mundo, que gira como una peonza”. 

Mientras que Dolores Fonzi, directora de la película argentina “Belén” que ganó como Mejor Película Iberoamericana, subió al escenario para aceptar el premio y dio un discurso bastante crítico contra la gestión de Javier Milei. “Ustedes todavía están a tiempo, no caigan en la trampa, la ultraderecha vino a destruirlo todo, eso es así, yo vengo del futuro. Vengo del futuro de un país donde el presidente incluso puso en venta el agua. O sea que ya no solo defendemos el cine, estamos teniendo que defender el agua”.

 ”Los Domingos” y “Sirât” cumplieron los pronósticos, tal como se preveía, los grandes nombres de la temporada no fallaron: Los Domingos (Alauda Ruiz de Azúa): Se coronó con Mejor Película, Dirección, Guion Original y las actuaciones de Patricia Lopez Arnaiz y Nagore Aranburu.

“Sirât” (Mauro Herce): Imbatible en el apartado técnico con 6 estatuillas (Fotografía, Montaje, Música, Sonido, Producción y Arte).

” Sorda”. Logró hitos importantes con Mejor Dirección Novel (Eva Libertad), Mejor Actriz Revelación (Miriam Garlo) y Actor de Reparto (Álvaro Cervantes). Otros premios destacados El actor, José Ramon Soroiz se hizo con el Goya al Mejor Actor Protagonista por “Maspalomas”, mientras que la película el polémico y esperado trabajo de Albert Serra, “Tardes de soledad”, se alzó como la Mejor Película Documental. y la noruega “Valor sentimental” como Mejor Película Europea.

Los datos respaldan el interés que hay por el cine español.  La gala fue líder absoluta con un 26% de cuota de pantalla (el mejor dato desde 2020) y atrajo a 2.396.000 espectadores de media en La 1 de TVE. Especialmente notable fue el impacto en el público joven (13-24 años), donde alcanzó un impresionante 37,6%.

La alfombra roja fue un escaparate de diseño español. Mientras Luis Tosar vestía de Pedro del Hierro y Rigoberta Bandini alternaba diseños de Rabanne, Moschino y Marta Martí, la nota internacional la puso Susan Sarandon (Goya Internacional) vestida de Armani.

-Nota escrita por: María Esther Beltrán Martínez   Fotos: Museo Thyssen Bornemisza

Fotos: Museo Thyssen Bornemisza

Madrid, España. -  Este trimestre el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la Fundación TBA21 presentan “Pedagogías de guerra”, la primera exposición individual en España de Roman Khimei y Yarema Malashchuk, figuras clave de la nueva generación de artistas visuales ucranianos. La responsable de la comisariada es Chus Martínez, la muestra propone cuatro instalaciones audiovisuales que han sido producidas en los últimos cuatro años, cuando comenzó la invasión a gran escala de Ucrania por parte de Rusia.

Las piezas analizan cómo, en un contexto donde la guerra es omnipresente y se retransmite a través de pantallas, sistemas algorítmicos y tecnologías, la violencia se infiltra en la vida cotidiana y reconfigura la percepción, el comportamiento y el día a día de la población. El proyecto se inscribe en el compromiso a largo plazo del museo y TBA21 con los artistas en situaciones de conflicto y cuenta con el apoyo de la Fundación Ecolec.

En palabras de Chus Martínez: “La exposición puede leerse a través de la paradoja formulada por Bertolt Brecht, quien distinguía entre Erlebnis –la experiencia vivida inmediata e inmersiva– y Erfahrung, la experiencia procesada, reflexionada y transformada en conocimiento. Para Brecht, el arte no transmite directamente la experiencia vivida; la convierte en una forma de comprensión. ¿Qué tipo de conocimiento puede producir entonces el arte sobre la guerra? Una posible respuesta, explorada a lo largo de esta exposición, es que la guerra lo transforma todo de manera radical, mientras que otros aspectos se mantienen inquietantemente familiares”.

Fotos: Museo Thyssen Bornemisza

Voceros del museo explican que la práctica artística de Roman Khimei (1992) y Yarema Malashchuk (1993) se desarrolla entre el cine, la performance y la observación social. Su metodología va más allá de la grabación documental y recurre a la creación de situaciones de ficción para reflexionar sobre cómo la propia violencia se escenifica y se interioriza en contextos bélicos. “Desde nuestra perspectiva de civiles, nuestros trabajos ofrecen un tiempo distinto al de los medios, que permite ralentizar la mirada e invita a la reflexión. Nos interesa cómo la guerra se infiltra en la vida cotidiana, cómo altera la percepción y cómo se forma la memoria cuando conviven, como es nuestro caso, la proximidad al conflicto y la distancia que debemos tomar como artistas”, explican.

Los visitantes verán cuatro videoinstalaciones, creadas a partir de imágenes de cámaras de vigilancia, imágenes cinematográficas escenificadas y grabaciones de personas que viven la guerra en Ucrania, diluyen los límites entre el documental y la ficción. Las obras, en su conjunto, tratan de combatir los clichés de una ciudad en guerra e invitan al espectador a experimentar cómo es la cotidianeidad en la ciudad de Kyiv –y en otros territorios ucranianos– entre un bombardeo y otro, intentando romper la distancia de seguridad que las personas crean como espectadores ante una guerra televisada.

La exposición comienza con The Wanderer [El caminante] (2022), una pieza producida poco después del inicio de la invasión

Fotos: Museo Thyssen Bornemisza

que forma parte de la Colección TBA21. En ella, los artistas utilizan sus cuerpos para escenificar las posturas de los cadáveres de los soldados rusos caídos que se confunden con el paisaje natural de los Cárpatos.

La tercera obra de la muestra, “You Shouldn’t Have to See This [No deberías tener que ver esto]” (2024) –reconocida con el Premio Curatorial de OFFSCREEN París– es una videoinstalación de seis canales que, marcada por el silencio, presenta a niños y niñas ucranianas mientras duermen.

Los artistas exhiben por primera vez “We Didn’t Start this War [Nosotros no empezamos esta guerra]” (2026), un nuevo encargo de TBA21 para el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Esta instalación –cuyo título hace referencia a una frase que la sociedad civil ucraniana repite tras la invasión rusa, ya que rechaza el conflicto– presenta un tríptico audiovisual concebido en un contexto bélico donde las imágenes no muestran representaciones violentas del conflicto, sino el resultado de una atención sostenida a una rutina que casi ha desaparecido para la sociedad ucraniana: la vida cotidiana que transcurre sin catástrofes visibles. En palabras de los artistas, “a través de la recreación de la realidad cotidiana en Kyiv, iniciamos una conversación con el espectador sobre la representación de un país en guerra”.

Los cuatro vídeo ensayos reivindican la capacidad del arte para sostener una reflexión colectiva en un momento en el que la violencia corre el riesgo de convertirse en un fenómeno rutinario. La exposición apuesta por la experiencia directa y por el diálogo entre el cine y las realidades sociales contemporáneas, presentando un lugar desde el que proponer el arte como un espacio político compartido, donde las personas aparecen como iguales y la paz puede seguir pensándose como una práctica colectiva diaria.

La fecha para verlo será del 3 de marzo al 21 de junio de 2026. 

Nota escrita por: María Esther Beltrán Martínez    Fotos: TV española

La edición de 2026 del Benidorm Fest ha marcado un hito al priorizar la calidad musical y la proyección global. Crítica y público coinciden en que la música ha sido excelente, demostrando que el certamen tiene fuerza propia más allá de cualquier otro concurso de música en España.

Al ser la primera edición en la que el ganador no va a Eurovisión; debido a la retirada de España este año del festival junto con otros países debido a la participación que tiene Israel, la organización decidió compensar a los artistas con una dotación económica importante que sirva para impulsar su carrera musical de forma independiente. Por lo que recibe 100 mil euros directos para los intérpretes y 50 mil euros para los compositores del tema ganador.

Fotos: TV española

Además, este año los ganadores suman otro camino que es conquistar el mercado latino, importante en la música de habla hispana.  Los ganadores, Tony Grox & LUCYCALYS, han conquistado el festival con su tema “T Amaré”, además recibió el premio Univisión, que incluye el viaje a Estados Unidos para grabar un single con un productor de nivel y hacer la gira de. que, en lugar de la tradicional ruta hacia Eurovisión, el premio principal de este año es el desembarco en Miami. Para muchos expertos, esta entrada en toda América es una oportunidad mucho más sólida para la carrera de los artistas, permitiéndoles conectar directamente con el mercado latino más importante del mundo.

Con la pegajosa repetición de “tamare” y sus ritmos con esencia flamenca, la propuesta tiene el sello perfecto para triunfar en un continente donde se valoran y abrazan los sonidos diferentes y auténticos.

Y en sentido contrario es la participación de María León. La estrella mexicana María León ha sido, sin duda, una de las grandes sensaciones. Más allá de su 8ª posición (92 puntos) con el tema “Las damas y el vagabundo”, su participación junto con la cantante española Julia Medina ha funcionado como su carta de presentación definitiva en el mercado español. La visibilidad obtenida en el festival le abre las puertas para futuras giras y colaboraciones en España, consolidando su estatus internacional.

Sin duda habrá un camino para que María participe en diferentes proyectos y demuestre su calidad vocal y su presencia como lo ha hecho en tierra azteca.

Fotos: TV española

Otro descubrimiento que deja el festival es la cantante y compositora, Asha tras quedar en 2ª posición con “Turista”, Asha se perfila como la artista con mayor potencial de crecimiento. Su propuesta fresca y cosmopolita ha calado hondo, y se espera que su carrera despegue de forma masiva tras este escaparate televisivo. Asha se mostró emocionada al quedar en primer lugar tras la votación del jurado especializado y tras recibir el premio Spotify.

Este premio consiste en un viaje a Estocolmo (Suecia) para grabar un tema en los estudios principales de la plataforma. Es un galardón muy relevante, ya que el jurado profesional la valoró como la mejor de la noche (otorgándole 92 puntos), destacando la calidad de su canción “Turista”.

En tercer lugar, quedó Rosalinda Galán con el tema “Mataora”.  El tema destacó por ser una propuesta poderosa, radical y con mucha fuerza. Además, Rosalinda se ganó el corazón del público que la apoyó desde la primera vez que se presentó.

Los resultados ya están, para muchos ha sido nefasta para otros muy buena. El tiempo dirá quién tiene la razón.